看演出常常不見得有時間寫評論或紀錄，不過有些深刻的印象是難以磨滅的–但不見得是演出本身就是了。出社會後，我在2018年第一次看全本歌仔戲；撇開被劇情感動、以及折服於個別演員演出外，坦白說我的第一印象是，媽呀，擴音好大聲，不但耳朵痛，而且音質劣化–音色有特色、或是聲音比較「傳」的演員，尤其容易受到影響。看了幾齣後我很快開始思考，傳統戲曲既是生於沒有電子擴音設備的時代，當初怎麼演？應該就是場地不要太大、而且演員唱念有基本穿透力。
後來看了書、聽了訪談就知道，過往在外台演出，會在舞台下放置儲水量不一的水缸，用水面與缸體提供反響效果。這樣用「肉聲」(台語，也就是指「不插電」)唱，演員要有穿透力；以西方音樂來說，「用聲樂集中的方式唱小聲、但必須能傳到最後一排座位」和「不用聲樂方式、純粹小聲唱、再加上擴音」，音色是完全不同的(影片中廖瓊枝大師說出類似的觀念)。我覺得這就是為何許多老一輩的歌仔戲大師，使用嗓音的概念、以及創造出的音色特質，和現代青年演員(尤其是沒演民戲的)是非常不同的。
我在粉專上不定期會推薦演出；最近看到當初2020年曾經推薦這檔「原聲歌仔－不插電歌仔音樂會」，好可惜當初11月中實在沒辦法去看。演出場地衛武營表演廳只有434個座位，重點是根據這個宣傳影片，舞台背後的板子是有反響效果的。看起來多麼完美啊！有演唱實力的好演員，和能搭配他們的文武場，一同呈現歌仔戲原本的樣貌，而不是用擴音把文武場弄得太大聲(甚至用寫作太厚重的國樂團)、然後再用擴音把演員擴得更大聲。更糟的是，常常即使擴音已經讓一些聽力正常的觀眾耳朵痛了，但樂團在激烈的地方，仍可能蓋掉演員聲音。)記得好幾次在戲曲中心(大廳為1,036席、小表演廳300席)、和重新裝潢開幕的歸仁文化中心(655席)，都被歌仔戲的擴音弄到耳朵又痛又熱。(妙的是看京劇似乎沒遇過這狀況，是說我看京劇的次數少得多就是。) 這些場館、和北藝藍盒子(493席)、城市舞台(1,004席)都不大，但感覺建造(或整修，我是指歸仁)時都完全沒考慮場館要有「自然音效」，也就是怎樣能讓「有基本穿透力」的演員與歌者「靠自己」(而不靠麥克風)傳聲。難道沒有人覺得自然音效是重要的嗎？
西方古典音樂後來也有重新思考是否要用擴音–當然這裡指的是在「有自然音效的場館」，而不是露天又沒有自然音效的地方(如古羅馬式圓形劇場)；例如John Adams一些歌劇都要求為歌手加擴音，主要是希望他們在不拋棄聲樂傳統概念的前提之下，可以稍微輕鬆點，並因此能做出不同的聲音細節。雖然在800~1000席大小的場館時，歌仔戲演員也許會希望有擴音幫忙，但如果場館能從「有自然音效」出發，擴音設計也以避免音質轉劣、分貝數過大為前提，該有多好。老實說，歌仔戲的打擊樂器兼具易傳的響度及高分貝，其實非常容易被聽到，很可能不需要擴音……
緊緻圓滑奏 